Texto: Didáctica de la educación artística
Autor: Marín, R.
Editorial: Madrid. Pearson/Prentice Hall
Aprender a dibujar para aprender a vivir.
Introducción. ¿Vemos todo lo que miramos?
Las niñas y niños en edad escolar saben reconocer y
pueden describir con bastante exactitud. Las niñas y niños no solo miran,
también gustan de garabatear y dibujar, modelar, construir y transformar.
Normalmente, manifestarán una evolución muy notable en su manera de representar
la figura humano, los árboles o las casas durante
sus años escolares. Las ideas básicas que razonaremos
a lo largo del libro, son:
Primera, los lenguajes y las artes visuales son un
conocimiento instrumental. Segunda, de la misma manera que es muy difícil
desvincular los procesos de lectura y escritura, así mismo, la comprensión y la
creación de imágenes son dos caras de la misma moneda visual. Tercera, las
artes visuales nos muestran y descubren, principalmente, quine y cómo somos los
seres humanos. Cuarta, todas las personas tienen derecho a conocer y
conocerse y a ser reconocidas y comprendidas por su
propias señas de identidad visual.
Quinta, dominar y usar habitualmente los diferentes
lenguajes visuales y procesos de
construcción y de creación requiere una formación
adecuada que debe proporcionar la
escuela.
Del dibujo a la cultura visual.
¿Qué es educación artística?
La educación artística es una materia o asignatura
obligatoria el currículo de educación
primaria y secundaria y figura también entre las
áreas de actividades en la educación infantil o preobligatoria. La denominación
oficial de esta materia del currículo puede presentar ligeras modificaciones en
los sucesivos cursos o etapas, tradicionalmente de la llamó dibujo. Esta
asignatura no incluye todas las manifestaciones artísticas sino que se refiere principalmente
a las artes visuales. Para describir el campo de conocimiento y aprendizajes
distintivos de la educación artística recurriremos a cinco categorías
diferentes:
1. hechos, objetos y situaciones. Todas las señales
visuales, obras de artes,
símbolos, publicidad…
2. tipos de conocimiento característicos. Pensamiento
visual y creativo,
intencionalidad artística y estética, función
imaginativa y emancipatoria.
3. campos del conocimiento y actividades
profesionales de los que emanan los
contenidos de a materia. Las artes visuales (dibujo,
pintura…), las disciplinas o
ciencias que estudian las imágenes (estética,
historia del arte…) las ciencias y
tecnologías implicadas en fenómenos de luz y color
(óptica, geometría…)
4. conductas y capacidades básicas que pone en juego.
Percepción visual, táctil y
cenestésica.
5. lenguajes, sistemas rotacionales, materiales y
acciones distintivas en educación
artística. Dibujo y sistemas de representación
objetiva, pigmentos y arcillas,
creación de imágenes…
Hechos, objetos y situaciones.
Se pueden distinguir cinco zonas o tipos de
acontecimientos visuales de máximo interés para la educación artística:
A) la espectacularidad y seducción visual de los
fenómenos naturales.
B) Las cualidades sensibles, la presencia visual y
las posibilidades constructivas de los materiales naturales y artificiales.
C) Las cualidades formales, semánticas y pragmáticas
de los objetos, artefactos y construcciones que constituyen la cultura material
antigua y contemporánea: edificios, herramientas, ropa…
D) Un tipo de objetos de especial relevancia para la
educación artística son las imágenes, ya sean bidimensionales o
tridimensionales.
E) Las obras de artes, que son los objetos e
imágenes, realizados con una intención abiertamente artística y estética o que
son reconocidos como tal.
Tipos de conocimiento característicos.
Las actividades artísticas y estéticas se distinguen
no tanto por el tipo de objetos o artefactos o materiales que estamos
manejando, sino por el modo como pensamos y por
el sentido o las intenciones que dirigen nuestra
actividad. Los tipos de conocimiento característicos del aprendizaje artístico,
vienen definidos por tres rasgos:
*En primer lugar, discurren en las zonas del
pensamiento visual y creativo: los lenguajes propios por los que circula el
aprendizaje en educación artística son los de las imágenes y la visión.
*En segundo lugar, la intencionalidad del
conocimiento en educación artística es abiertamente artística y estética.
Sumergirnos en el dominio artístico y estético no es difícil, pero exige una
apertura y predisposición hacia ese modo característico de sentir y
experimentar.
*En tercer lugar, la función del conocimiento
artístico es imaginativo y emancipador.
Existen diferentes modos de conocimiento humano. En
el dominio artístico el asunto
que más nos interesa es la experiencia vital de los
seres humanos, especialmente sobre
las situaciones que nos hacen sentir, conocer y
desear e ilusionarnos más intensamente.
Campos del conocimiento y actividades
profesionales de los que
emanan los contenidos de a materia.
La educación artística organiza sus aprendizajes y
contenidos a partir de tres dominios
fundamentales:
Primero, las artes vísales, que es una denominación
reciente, principalmente utilizada en
los países de habla inglesa, para reunir una amplia
variedad de actividades artísticas y
prácticas profesionales, algunas muy antiguas como la
pintura, las escultura…otras más
recientes como el cine o la fotografía. Los limites o
fronteras de las artes visuales son muy amplias y poco estrictas. Lo que tienen
en común las artes visuales es que en ellas predominan los aspectos relativos a
la mirada y la visión.
En segundo lugar, los contenidos de la educación
artística derivan de las ciencias o
disciplinas que estudian, analizan y explican las
imágenes, los objetos y las obras de
artes. La más desarrollada es la historia del arte. Junto
a ellas, aunque con un desarrollo no tan intenso ni extenso, algunas de las principales
disciplinas de las ciencias humanas y sociales, tales como la antropología, la
sociología…
En tercer lugar, algunos conceptos básicos en
educación artística proceden de las
ciencias y tecnología implicadas en los fenómenos de
la luz y el color y en la
construcción, reproducción, transmisión y
conservación de las imágenes.
Conductas y capacidades básicas que pone en juego.
Las conductas y capacidades básicas que ponen en
juego las actividades y tareas propias
de la educación artística son las relacionadas con la
percepción visual, táctil y cinestésica.
Lenguajes, sistemas rotacionales, materiales y
acciones distintivas
en educación artística.
Los lenguajes y sistemas rotacionales, los materiales
y las acciones y actividades
distintas del aprendizaje artístico son los propios
de las artes visuales. En educación artística se traja fundamentalmente con los
lenguajes visuales, dibujo y los sistemas de representación objetiva del
espacio, tallando, construyendo y modelando en cualquier material. Los
materiales so los pigmentos, las arcillas, papeles…
Que no es educación artística.
· La educación artística no es una materia diferente
a las otras del currículo escolar. No es una asignatura simpática y agradable
pero menos académica que las demás. Lo que sucede s que la mayoría de los
aprendizajes más valiosos y decisivos en educación artística no son de tipo
memorístico, ni hay una única respuesta correcta.
· La educación artística no solo tiene interés par
alas personas que manifiestan una
especial capacidad o predisposición, sino que es
importante para el conjunto del alumnado.
· La educación artística no es una materia manual
frente a las otras de tipo teórico.
· La educación artística no puede quedar reducida a
ejercicios de dibujo libre y de
dibujo geométrico o técnico.
· La educación artística no consiste en hacer
imitaciones de cosas bonitas que
parezcan obras artísticas o decorativas.
· La educación artística en la educación obligatoria
no consiste en comenzar por el principio, por los ejercicios iniciales de
geometría o color, el largo camino del arte sin llegar a ningún resultado
final, sino que debe abordar la resolución de todo tipo de imágenes con grado
de complejidad adecuado a cada curso o nivel.
· En educación artística es muy i portante la
creatividad pero no única y exclusivamente la creatividad.
· La educación artística no puede quedar encerrada en
los límites de la escuela.
· Los enfoques, metodología, aprendizajes y
contenidos en la educación artística no constituyen un cuerpo de conocimientos
cerrados.
Historia de la educación artística.
Las ideas, los métodos y los ejercicios de dibujo en
la escuela han cambiado de forma notable a lo largo de la historia. La
enseñanza del dibujo se implantó en el currículo escolar al mismo tiempo que se
organizaron y generalizaron los sistemas educativos durante la primera mitad
del siglo XIX. Las enseñazas artísticas dirigidas a la formación de
profesionales de las artes visuales se habían establecido mucho antes.
Debates contemporáneos.
Las ideas y teorías en educación artística tienen que
ser capaces de responder adecuadamente a los cambios y transformaciones que e
producen tanto en el ámbito de las artes y culturas visuales como en el
territorio psicoeducativo. En los años finales del sigo XX ha despuntado una
nueva propuesta en educación artística, al calor de los movimientos posmodernos
y de las nuevas tecnologías. La cultura visual implica centrar las enseñanzas
artísticas en cualquier tipo de artefacto que cumpla dos condiciones:
a) que sea prioritariamente visual.
b) Que tal artefacto sea constitutivo de actitudes,
valores y creencias.
La cultura visual absorbe muchas ideas propias de los
enfoques posmodernos para redefinir y renombrar los términos clave del
currículo de educación artística:
a) representaciones en vez de imágenes.
b) El propio concepto de cultura se emplea no en el
sentido académico o erudito, sino en el sentido socio-antropológico.
c) Las representaciones deben interpretarse de muchas
formas diferentes, superando los análisis formales.
¿Cómo debería ser una buena teoría de educación
artística?
A lo largo del último siglo, tres dilemas han
centrado el núcleo fuerte de los debates en la educación artística.
El primero de ellos plantea la educación artística
como desarrollo libre y espontáneo
frente a la educación artística como aprendizaje de
los contenidos correspondientes a la
estructura académica y profesional de las artes y las
teorías visuales.
El segundo dilema tiene que ver con la función que
deben jugar las grandes obras de
arte en los contenidos y actividades de educación
artística: ¿constituyen o no, su núcleo
central de aprendizajes?
El tercer dilema corresponde a la disyuntiva entre la
libertad del creador frente a la erudición del espectador.
Conclusiones.
La educación artística es un campo de conocimientos
versátil, movedizo y apasionante en el que muchos de los grandes problemas
educativos se plantean con toda la agudeza e intensidad. La búsqueda de nuevas
concepciones del aprendizaje y la enseñanza de las artes visuales no ha cesado.
El dibujo infantil: imágenes, relatos y
descubrimientos
simbólicos.
Introducción.
Dibujar y pintar son las actividades artísticas más
frecuentes que hacen los niños y niñas en la escuela, por ello las características
de esos dibujos, sus sentidos y significados, su
evolución o desarrollo, son asuntos de máxima
importancia en educación artística. Algunos hechos han llamado poderosamente la
atención sobre el dibujo infantil.
Primero: las niñas y niños, antes de cumplir los dos
años de edad, comienzan a dibujar
de forma espontánea y natural.
Segundo: los dibujos infantiles presentan unas
características propias claramente distintivas.
Tercero: la mayoría de los dibujos y pinturas
infantiles son muy llamativos por su
espontaneidad, frescura, libertad, armonía y claridad
con la que son capaces de resolver
los motivos y escenas más complejas.
Cuarto: a medida que las niñas y niños crecen sus
dibujos van cambiando y transformándose, haciéndose más elocuentes y
elaborados.
Quinto: al concluir la infancia, a partir de los diez
años aproximadamente, el interés se
difumina e incluso desaparece.
Los dibujos infantiles han constituido un poderoso foco
de interés para artistas y psicólogos como Van Gogh, Picasso, Piaget…
El dibujo y el arte infantil.
Cada persona tiene su propia forma de dibujar. No hay
dos personas que dibujen de la misma e idéntica manera, ahora bien, las
imágenes y escenas que dibujan los niños, ofrecen en conjunto unos rasgos
característicos. El dibujo y arte infantil, lo constituyen las imágenes y las
obras que producen los niños de modo espontáneo, cuando se les facilita y
motiva a que dibujen por sí mismos. Entre los rasgos más característicos de los
dibujos infantiles destacan:
· El principio de aplicación múltiple, con la misma
forma dibujar cosas distintas.
· El principio de línea de base.
· El principio de perpendicularidad.
· El principio de importancia del tamaño, hacen más
grande lo que para ellos es más importante.
· El principio de aislamiento de cada parte del
conjunto.
· El principio del imperativo territorial.
· El principio de la forma ejemplar.
· El principio del abatimiento.
· El principio de simultaneidad de puntos de vista.
· El principio de visión de rallos X.
¿Qué dibujas los niños y niñas?
Durante lo primeros años hasta que cumplen tres o
cuatro años, aparece un conjunto de
marcas, trazos o garabatos. Al final de esta etapa la
figura humana es uno de los primeros motivos. Después de las figuras humanas,
el sol es la más dibujada, también
casas, árboles, nubes…
¿Cómo cambian con la edad los dibujos
infantiles?
Desde el siglo XIX hasta hoy se han hecho muchos
estudios evolutivos de cómo cambian los dibujos infantiles. Aquí pondremos
algunos ejemplos:
Herman Lukens; en 1896, cuatro etapas:
· Primera, el niño se interesa por el resultado del
gesto.
· Segunda, se interesa por el resultado de su dibujo.
· Tercera, nace el sentido crítico.
· Cuarta, consigue en su dibujo valores expresivos
autónomos. En 1921, C.Burt, siete etapas:
· Garabateo (2-3 años)
· Línea (4 años)
· Simbolismo descriptivo (5-6 años)
· Realismo visual (10-11 años)
· Represión (11-14 años)
· Renacimientos artístico (14 años en adelante)
Clasificación por etapas de Viktor Lowenfeld. De seis
etapas:
· Garabateo (2-4 años), no hay figura humana, no
tiene sentido del espacio no hay intencionalidad cromática.
· Preesquemática (4-7 años), búsqueda del concepto de
figura humana, no tiene sentido del espacio, color de acuerdo a las emociones.
· Esquemática (7-9 años), concepto de figura humana
definido, línea de base como primer concepto espacial, relación definida entre
color y objeto.
· Principio del realismo (9-11 años), énfasis en la
ropa, descubre el plano como base.
· Seudorrealista (11-13 años), dibuja articulaciones,
proporciones, expresiones tridimensionales.
· Decisión (13-17 años), luces y sombras, representación
en perspectiva, uso de color expresivo y subjetivo. A dedicados de la década de
1980, W. Ives y H. Gardner, clasificación en tres grandes
etapas:
· 1-5 años dominio de patrones universales, las
influencias culturales son nulas.
· 5-7 años, florecimiento del dibujo, ciertas
estrategias gráficas comienzan a ser dominantes según las culturas, debido a la
escolarización.
· 7-12 años, apogeo de las influencias culturales.
Las influencias culturales
son muy notorias.
Las investigaciones sobre el dibujo infantil.
El dibujo infantil como campo interdisciplinar:
autores y autoras.
El dibujo infantil ha sido y sigue siendo un campo de
estudio claramente interdisciplinar. En los últimos años del siglo XIX
comenzaron a aparecer las primeras publicaciones específicas sobre el dibujo
infantil. Durante la primera mitad del siglo XX el estudio del dibujo infantil
fue enriqueciéndose con numerosísimas aportaciones entre las que cabe destacar
por su importancia, en orden cronológico las de D. Kerschensteiner en 1905, P.
Luquet en 1927 y las de V. Lowenfeld en 1932, 1939 y 1947.
En la segunda mitad del siglo XX tenemos las de
H.Gardner y C. Golomb. En España, las dos obras de mayor relevancia en la
primera mitad del siglo XX fueron el “manual de pedagogía del dibujo” de Víctor
Masriera 1917 y “la práctica del dibujo en la escuela primaria” de Elisa López
Vera.
Las investigaciones sobre el dibujo infantil:
enfoques y objetivos.
Puede establecerse una clasificación en tres grandes
tipos de investigaciones, el dibujo como manifestación de la personalidad, el
dibujo y el arte infantil y el aprendizaje y la
enseñanza del dibujo.
El dibujo como manifestación de la personalidad.
Este es el enfoque característico de muchas investigaciones
de carácter psicológico,
psiquiátrico,… Ya que las niñas y niños son capaces
de realizar dibujos espléndidos y
muy elocuentes en pocos minutos.
El dibujo y el arte infantil.
El propósito de estas investigaciones es analizar las
características de los dibujos y
explicar sus rasgos y cualidades. Para ello se
recurre a los conceptos, estrategias y
métodos de análisis que han ido desarrollándose en
relación con cualquier tipo de
imágenes o especialidades en artes visuales.
El aprendizaje y la enseñanza del dibujo.
Algunas investigaciones se orientan a comprender que
estrategias de representación son
capaces de desarrollar los niños. Otras se plantean
averiguar que estrategias o conceptos
gráficos característicos de los lenguajes del dibujo
adulto pueden llegar a aprender las
niñas y niños en la escuela primaria.
Los
métodos de enseñanza del dibujo en la escuela.
Buena parte de los estudios sobre el dibujo infantil
se han desarrollado desde una perspectiva educativa. En ellos se busca conocer
los rasgos y peculiaridades de los dibujos espontáneos infantiles a fin de
fundamentar adecuadamente una correcta enseñanza de las artes visuales. Existen
dos grandes tendencias.
Las tendencias creativas y naturales: Lowenfel y
Freinet.
La enseñanza del dibujo en las escuelas no debe
consisten en que los niños adquieran
las destrezas y adopten los modelos de representación
gráfica que caracterizan las obras
de arte del arte adulto, sino más bien en motivar,
incentivar y comprender en profundidad las características de las obras
gráficas que el alumnado realiza por sí
mismo.
Aprender a dibujar a partir del arte: Wilson y
Hurwitz.
Su punto de vista afirma que la fuente principal de
estudio para aprender a dibujar en la
escuela son las grandes obras maestras del dibujo
porque durante siglos, los mejores
10 artistas ha elaborado y descubierto un gran número
de ideas y soluciones visuales para resolver de forma satisfactoria los
problemas gráficos con las que se debe enfrentar todo dibujo.
Conclusiones.
El dibujo infantil, lejos de esta agotado, sigue
siendo un tema abierto y fecundo. Si bien hay ciertas características generales
del dibujo infantil que son suficientemente conocidas y están abundantemente
descritas. La intensa utilización de las tecnologías del vídeo y de la
computadora en el estudio del dibujo infantil está haciendo mucho más fácil
registrar el conjunto de movimientos, acciones, expresiones… que acompañan la
realización del dibujo.
Todo el mundo es un artista. Creatividad,
imaginación,
percepción visual y otras conductas artísticas.
Introducción.
Los seres humanos conocemos el mundo a través de
nuestros sentidos. Las artes visuales, han sido consideradas como actividades
esencialmente creativas. Los dibujos infantiles se caracterizan por su
espontaneidad, frescura y libertad, en ellos encontramos también la esencia de
la creatividad, originalidad, innovación y emoción.
La percepción y el pensamiento visual.
La percepción visual es el pensamiento.
Cuando paseamos por el campo o la ciudad, asistimos
aun espectáculo teatral… nuestros sentidos interactúan de manera
multisensorial. Pero el sentido que más protagonismo tiene es la vista.
¿El arte es importante?
Una de las afirmaciones respecto al arte es asegurar
que las creaciones artísticas se deben a los sentimientos y transiten
sentimientos y emociones. Arnheim cuestiona esos juicios, analizando el término
emoción como un conglomerado de tres, un acto de cognición, una lucha
motivacional y un despertar causado por las dos primeras. Toda actuación humana
de cierta complejidad se compone de estos tres.
La fuente de la visión.
Todo lo que percibimos mediante la vista s debe a la
existencia de la luz, sin luz no podríamos ver. Pero, más que la luz, hemos
centrado nuestra atención en sus efectos sobre las cosas que nos rodean, paisajes,
edificios,… Cuando hablamos de iluminación estamos refiriéndonos a un concepto
distinto que el de luminosidad. La iluminación consiste en una imposición de un
gradiente de luz sobre la luminosidad de los objetos y sus colores. La luz crea
espacios y nos ayuda a visualizar la tercera dimensión creando profundidad. La
incidencia de la luz contribuye a generar sensaciones o ilusiones de espacio.
Percibimos un mundo de color.
La capacidad para apreciar el color es una de las
características del ser humano. Newton descubrió que la luz blanca esta
compuesta de diferentes colores, los colores del arco iris o espectro visible
de la luz, un objeto que recibe luz solo emite aquella que es su color y
absorbe las demás. Muchos artistas se han mostrado de acuerdo en que el sistema
cromático del pinto se basa en la triada rojo, azul y amarillo.
Las aportaciones de la teoría de la forma o
“Géstalt”.
El termino Gestalt puede ser traducido como forma
pero su significado equivale más a estructura o configuración. Según los
teóricos de la gestalt, la percepción se explica mediante un sistema organización
del material sensorial que permite construir estructuras gestálticas simples y
buenas.
Leyes de la Gestalt.
Ley de la proximidad, ante varios estímulos iguales,
agrupar aquellos que se encuentran próximos entre si.
Ley de la semejanza, se tiende a agrupar estímulos
semejantes.
Ley de la uniformidad, percibir como un todo objetos
que mantiene una misma dirección
Ley del movimiento común, agrupar los que se
desplazan a la vez.
Ley del cierre, agrupar de forma que el resultado es
una figura cerrada.
Ley del contrate, la percepción del tamaño se ve
afectada por el tamaño de los demás objetos del grupo.
Ilusiones ópticas.
La comparación de los diferentes componentes del ojo
con los componentes de una
cámara inducen a pensar que la visión es como una
fotografía y que se produce de
forma mecánica. En parte es así, pero ver es algo
mas, ver es organizar, comprender,
dotar de significado a los estímulos luminosos.
Existen una gran variedad de ilusiones
ópticas.
Ilusiones ópticas de tamaño.
El sol parece más grande en el ocaso que cuando está
en su cenit debido a que lo
comparamos con otros objetos que tiene al lado al
ponerse.
Ilusiones de movimiento.
Cuando estamos en un tren y otro tren al lado se
mueve, tenemos la sensación de ser
nosotros quienes nos movemos.
La percepción de imágenes.
Si queremos comprender como se produce el proceso de
la visión, debemos reflexionar
sobre los mecanismos de la percepción visual: como se
capta, procesan e interpretan los
estímulos visuales. Un ejemplo intrigante los tenemos
en la espiral de Fraser, que en realidad no es tal sino una serie de círculos
concéntricos.
La
inteligencia espacial.
En lo que se refiere a artes visuales, la
inteligencia espacias es aquella que está relacionada con la percepción,
transformación y representación de figuras y elementos
en el espacio. Hasta hace muy poco se pensaba que no
existía vinculación directa entre la inteligencia y las capacidades artísticas,
desde H. Gardner en su libro “inteligencias múltiples” no es así. Defiende que
existen siete tipos de inteligencia, musical, cinético-corporal,
lógicomatemática, lingüística, espacial, interpersonal e interpersonal.
Educación artística e inteligencia.
Se trata de reconocer que la percepción constituye un
proceso cognitivo. La cognición y
el aprendizaje conllevan la activación de manera
unitaria de procesos como: pensamiento, lenguaje, percepción visual. Una de las
principales teorías sobre la repercusión de la percepción en el conocimiento humano
es la perspectiva ecológica de Gibson. Lowenfeld argumenta que aunque está muy
claro que el aprendizaje se produce a través de los sentidos, la escuela hace
muy poco para educarlos.
El
pensamiento simbólico.
El pensamiento es sinónimo de inteligencia y la
inteligencia es una facultad superior de
los seres humanos que les permite interpretar el mudo
y resolver los problemas que les
plantea su medio. La palabra símbolo significa
juntar, encontrar un signo de reconocimiento, se trata de una representación,
gracias a la cual, los seres humanos somos capaces de asociar una realidad a
otra cosa. Las artes visuales tienen capacidad propia para expresar emociones y
sentimientos a través de símbolos que no pertenecen a los ámbitos verbales sino
al de las imágenes.
Arte símbolo y aprendizaje.
La comprensión de los símbolos es imprescindible en
todos los ámbitos de la vida, ya sea para orientarse en una ciudad o contemplar
una puntura o escultura. Los símbolos han tenido una desigual presencia en las
obras de arte. La fuerte carga simbólica de los dibujos infantiles, sobre todo
en las representaciones la figura humana son características que nos recuerdan
al arte egipcio o el románico. Las niñas y los niños suelen perder el interés
por el dibujo espontáneo, precisamente cuando sus dibujos comienzan a perder
simbolismo para centrase en una representación de carácter realista.
La
creatividad.
Se puede considerar la creatividad como cualquier
aportación valiosa y novedosa. Concebimos la creatividad como una
característica de la persona, como un proceso y como una capacidad para la
resolución de problemas. El primer paso para la solución e un problema es la
compresión y esto ya es un acto creativo.
Componentes y fases del pensamiento creativo.
La originalidad se ha considerado desde el
renacimiento hasta la modernidad como el rasgo más característico de la
creatividad. La flexibilidad es uno de los indicadores que mejor caracteriza el
pensamiento creativo. La productividad o fluidez consiste en la capacidad para
producir muchas obras o dar respuestas a problemas de la manera más rápida
posible. La elaboración es un indicador característico de las producciones
gráficas y artísticas, está relacionada con la capacidad para producir obras o
resolver problemas de una forma minuciosa. El análisis o capacidad para
descomponer una realidad en partes. La síntesis o capacidad para resumir. La
comunicación o capacidad de trasladar un mensaje convincente a los demás. La
sensibilidad para los problemas o la capacidad para ver en todo su lado
perfectible o su vertiente superadora. La redefinición o capacidad para
encontrar usos, funciones o aplicaciones diferentes a las habituales. El nivel
de inventiva o capacidad para llevar a cabo invenciones o proyectos que contribuyan
a un avance significativo.
Métodos y técnicas de desarrollo de la
creatividad.
Método analógico, emplea las relaciones de semejanza.
El método consiste en descubrir cuales son las relaciones analógicas que
existen entre objetos, situaciones… para facilitar la resolución de problemas
planteados. El método antitético, persigue la liberación mental mediante
ejercicios que nos permitan despegarnos de las reglas establecidas social y
personalmente. El método aleatorio consiste en la posible asociación de dos
conceptos, objetos o fenómenos, generando un nuevo concepto, objeto o fenómeno.
